Sonntag, 17. März 2024, 17.00 Uhr

Atelierkonzert 68
«Nicht Bach, Meer sollte er heissen!»
L.v.B.

Anne de Dadelsen, Klavier
Caterina Nüesch-Corvini und Franziska Badertscher, Flöten

Seelische Kühnheit und mathematische Kühle
Manche finden, Bach sei mathematische Berechnung und deshalb so kühl und auf die Dauer «immer das Gleiche», andere halten dagegen und schwärmen, Bach sei pure Emotionalität, sei himmelhoch jauchzend, zu Tode betrübt.
Beide haben recht. Musikerinnen und Musiker haben das längst erkannt. Denn wer an irgend einem Stück von Bach arbeitet, muss genau sein. Ihre Technik muss tadellos sein, ihr Intellekt muss in der Lage sein, formale Anlage, Struktur und vieles mehr in analytischer Schärfe zu erkennen, und ihr emotionaler Reichtum muss so gross sein, dass sie der Musik den Sinn zu geben mag, der ihr entspricht. Es wäre vermessen, die einzelnen Stücke dieses Konzertes mit Beschreibungen näher bringen zu wollen. Manche glauben das zu können. Die reden dann – belesen, wie sie sind, von französischem Einfluss oder italienischem, englischem oder österreichischem. Beflissen nennen sie die Namen anderer Komponisten, deren Musik hier oder dort deutlich zu hören sei. Schall und Rauch – was sollte das beim Zuhören helfen? Ich habe es ja selbst versucht, und am Ende musste ich, frei nach Goethens Faust, sagen: «Habe nun, ach, Reich und Spohr, Binder, Fischer, Ahrend, Hamm, Scherer Düntzer, Trunz und Wahl studiert mit Fleiss und Sachverstand. Da steh ich nun, ich armer Tor, und bin so klug als wie zuvor.»
Nein, der Musik von Bach ihren Sinn geben, da bin ich sicher, das können nur die Interpretinnen. Und die können das. Das weiss ich, ich kenne sie alle, habe selbst schon für sie geschrieben, und was Anne, Caterina und Franziska jeweils daraus gemacht haben, hat mich immer angenehm überrascht.
So wird es auch Ihnen in diesem Konzert ergehen.

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

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Mittwuch, 21. Februar im Stadttheater
bi de Comitéschnitzelbängg

Samschdig, 24. Februar am Schlussoobe vo de Comitéschnitzelbängg im Stadttheater und Schauspielhuus

Fasnacht 2024
Uffdritt vo de Reservierte

Franziska Badertscher und Claude Jaquiéry, Piccolo

Montag, 19. Februar, 18.00 Uhr
NEU im Schmiedehof

Dienstag, 20. Februar, 14.30 Uhr
im Alters - und Pflegeheim zum Park Muttenz

Fasnacht 2024
s'Konzärtli vo de Reservierte

Franziska Badertscher und Claude Jaquiéry, Piccolo

Sonntag, 11. Februar 2024, 17.00 Uhr

Atelierkonzert 67
«Fasnachtshauch und Ballgeflüster»

Stéphane Reymond, Klavier
Franziska Badertscher und Claude Jaquiéry, Piccolo

Die (hoffentlich) gelungenen Versuche
Immer wieder kommt jemand auf die Idee, verschiedene Musikstücke bestimmten Kategorien zuzuweisen: «Unterhaltungsmusik – Ernste Musik». Oder: «Jazz – Klassik». Oder Pop, Schlager, Hits der 80er, Filmmusik, Punk, Leichte Klassik – und was immer der hilflosen Bemühungen mehr sein mögen. Wozu eigentlich?
Musik kann zweckgebunden sein – Tanzmusik, Marschmusik, Trauermusik, Gebetsmusik. Manchmal ist Musik völlig zwecklos, sie genügt sich selbst. Dann spricht man von «absoluter Musik». oder «Konzertmusik». Manchmal ist sie zweckgebunden und dient – siehe oben – dem Tanz, der Trauer, dem Gebet.
Aber sehr oft ist sie nichts oder mehreres von alledem zugleich. Manchmal ist sie Musik über Musik, reflektiert eine Gattung mit deren eigenen Mitteln. Meine Fasnachtsmärsche sind so; mehr gibt’s über sie nicht zu sagen. Sie sind der Versuch, Gesten und Eigentümlichkeiten der typischen Basler Fasnachtsmärsche (zwei davon erklingen zum Vergleich, beide von René Briellmann) in meine eigene Musiksprache zu übersetzen. Hoffentlich ist der Versuch gelungen; immerhin schafften sie es auf die Konzertbühne – für mich überraschend, aber Überraschungen sind nichts Ungewöhnliches in den «Atelier-Konzerten», auch in diesem nicht.
Zweifellos gelungen sind die Klavierstücke aus drei Epochen, die alle ebenfalls von frivolem Maskentreiben inspiriert sind. Die frühsten von François Coupérin sind hochbarocke Fantasien. Auf deutsch übersetzt lautet der Titel ungefähr «die französischen Narreteien oder die Augenmasken». Die genannten Farben der Masken sind hier die an französischen Maskenbällen gern vertretenen menschlichen Charaktere und deren Flirts untereinander zugeordnet. Ein wunderbares Beispiel für jene sehr beredte musikalische Rhetorik, deren einzelne Werke man sehr viel später als «Charakterstücke» bezeichnen wird, ist zum Beispiel Robert Schumanns schier überbordenden «Carnaval». Schumann lässt hier eine der bekanntesten Maskenfiguren auftreten: Den Arlequin, der auf den italienischen Arlecchino der Commedia Dell’Arte zurückgeht und der viel später als «Harlekin» an der Basler Fasnacht wieder auftaucht. Bei Schumann umrahmt der Arlequin eine «Valse noble».
Die «Valse noble» wird ein Jahrhundert später für Maurice Ravel zum hochvirtuosen Ausdruck seiner ambivalenten Faszination für den Wiener Walzer: Hatte er ihn zuvor in seinem fulminanten Orchesterwerk «La Valse» noch zerlegt und zerpflückt und als von ferne hereinwehende Klanggeste inszeniert, erscheint er hier in den «Valses nobles et sentimentales» in der Gestalt von kräftigen affektreichen Titanen, die in die Zukunft weisen – und schafft damit wohl eines der modernsten Werke des beginnenden 20. Jahrhunderts. Vielleicht einer der frühen Versuche einer Integration alter musikalischer Gesten und Formen in die Ahnung des kommenden Zerfalls der alten Tonalität?

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

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Dienstag, 26. Dezember 2023, 15.15 Uhr

«Spaziergang mit Flöte und Klavier»

Franziska Badertscher, Flöte
Giovanni Fornasini, Klaviern

Ort: Alters - und Pflegeheim zum Park Muttenz

Montag, 25. Dezember 2023, 10.00 Uhr

Weihnachtsgottesdienst

Franziska Badertscher, Flöte
Uwe Schamburek, Orgel

Ort: Reformierte Kirche Birsfelden

Sonntag, 24. Dezember 2023, 10.00 Uhr

Weihnachtsgottesdienst

Franziska Badertscher, Flöte
Raouf Mamedov, Orgel
Cristina Camichel, Pfarrerin

Ort: Reformierte Kirche Dornach

Sonntag, 26. November 2023, 17.00 Uhr

Atelierkonzert 66
«Abendständchen für Flöte solo»

Werke von: Joseph Lauber, Șerban Nichifor, Liana Alexandra, Roger Bourdin, Claude Debussy, Kazuo Fukushima, Katherine Hoover, Marin Marais, Ruth Schonthal

Franziska Badertscher, Flöte

Die magische Flöte!
Die Flöte ist ein magisches Instrument. Dass ein Ton erklingt, wenn ein Gegenstand angeschlagen oder angerieben wird, ist offensichtlich, ist eine Alltagserfahrung, die allen geläufig ist. Aber bei der Flöte ist das ja nicht der Fall – alles, was im Spiel ist, ist Luft. Und da man Luft zwar wahrnehmen, aber nicht sehen kann, wird sie von vornherein mit dem Geisterhaften, dem Magischen in Verbindung gebracht.
Dieses Magische, vermeintlich nicht Körperliche – Metaphysische – umgibt und durchwirkt uns ein Leben lang, von Anfang – wenn «der Hauch des Lebens» uns eingeblasen wird, bis zum Ende, wenn wir den «Hauch des Todes» spüren.
Auch der Hirtengott Pan erfuhr dies – nachdem seine Angebetete, eine Najade namens Syrinx sich in ein Schilfgras verwandeln liess, um dem Nachstellenden zu entgehen, sang der Wind so schön durch das Schilf, dass sich Pan ein Rohr herausschnitt und zu seiner Flöte machte. Nun konnte er seiner Geliebten das «Leben einhauchen» – eine für Feministen ziemlich fragwürdige Geschichte, denn sie beginnt mit einem Gewaltakt – dem Abschneiden des Rohrs und seinem Herausnehmen aus seiner sozialen Umgebung – und endet mit einer klassischen Männerfantasie – dass eine Frau erst so richtig zum Leben erwache, wenn ein Mann sie «spiele» …
In vielen der Stücke, die wir heute Abend hören dürfen, steht das Thema des «magischen» Instrumentes Flöte im Zentrum. Die Reise durch den Zaubergarten beginnt mit Joseph Laubers «Irrlichtern», die uns aus der Spätromantik in die neuere Zeit (ver-)führen. Bei Nichifor kommen wir zum stillen Ort der Einkehr, der Besinnung, bei dessen Ehefrau Alexandra zur entfesselten Palette verschiedenster Regungen, ähnlich wie später bei Hoover, deren «Kokopeli» – Name einer prähistorischen Hopi-Variante des Pan – sich anhört wie ein Panoptikum der flötistischen Möglichkeiten. Auch Bourdin und Fukushima versuchen sich am Zauber des Mystischen, wobei bei Fukushima erwartungsgemäss die reich befrachtete Geschichte der japanischen Shakuhachi-Kunst Pate steht. Wie eine besinnliche Rückschau erinnern uns Marais’ «Folies d’Espagne» daran, dass phantasievolles Umherschweifen im musikalischen Labyrinth bereits zur Barockzeit möglich war. Eine eigene Kategorie schuf Schonthal mit ihren «Variations». Einen anderen Variationszyklus hatte die Komponistin mit «Variations in Search for a Theme» überschrieben – «Variationen auf der Suche nach einem Thema». Das ist – ausser einem wunderschönen Titel – gleichzeitig eine Höranleitung: Lassen wir die Suche bei Lauber beginnen, halten dann zunächst inne mit Nichifor, um dann losgelassen zu werden auf all das Abenteuerliche, das uns im Zaubergarten der Flöte umfängt, verführt, umtreibt, verunsichert, beglückt – und möglicherweise finden wir dabei unser eigenes Thema …
Dass ein Konzert für ein Instrument allein nicht nur Komponist*innen und Interpret*innen herausfordert, sondern auch die Zuhörenden, muss hier nicht weiter gesagt, gelobt, bewundert werden. Immerhin wird soviel klar: Nicht nur ist die Flöte ein magisches Instrument, auch die, die sie spielen, müssen über magische Kräfte verfügen.

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

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Sonntag, 17. September 2023, 18.00 Uhr

Atelierkonzert 65
«Seemann lass das Träumen!»

Werke von: Paul Patterson, Gwyn Parry-Jones, Malcolm Arnold, David B. Chadwick

Bläserquintett Gli Staccati
Franziska Badertscher, Flöte (nicht nur)
Ingo Balzer, Oboe
Martin Frey, Klarinette
Hanspeter Lieberherr, Horn
Johannes Jöhri, Fagott

Nicht-Seemann, fang an zu träumen
Seemannslieder, Shanties, sind Subkultur. Subkulturen sind, anders als oft vermutet, nicht «mindere» Kulturen, sondern aus der wie auch immer verstandenen Standardkultur abgeleitete, thematisch und stilistisch eigentümlich verfasste Kulturen.
Sie entstehen in spezifischen geographisch, sozial oder zeitlich eingegrenzten Räumen und können bestimmten menschlichen Gruppen zugeordnet werden: Der Jugend (Rock), der unterprivilegierten Jugend (Punk), den unterprivilegierten Schwarzen (Spiritual, Gospel, Blues, Jazz), den Landbewohnern (Ländler, Country), selbst Ländern (griechische, schwedische, arabische Musik). All diese Arten von Musik sind im oben verstandenen Sinne Subkulturen. Sie sind lebendige Beweise dafür, dass es keine wie auch immer verfasste Gruppe von Menschen geben kann, die ohne Kultur auskommt.
Interessant kann es werden, wenn die Standardkultur damit beginnt, in die Subkultur zu spähen, sie sich sogar anzueignen. Beispiele dafür sind Paul Gaugins Tahiti-Bilder, die Karl May-Romane, Mozarts «Alla Turca» oder Schuberts «Ländler». Auch Subkulturen können das, gegenüber anderen Subkulturen, beispielsweise Seemanns-Schlager (die eben keine Seemannslieder sind) wie «Am Golf von Biskaya» oder «Seemann, lass das Träumen». Doch es geht auch in die andere Richtung: Subkultur bedient sich gelegentlich auch bei der Standardkultur. Beispiele sind etwa die Gruppe «Rondo Veneziano», der Geiger André Rieux oder Richard Clayderman mit seiner unsäglichen «Ballade pour Adeline».
Und ganz besonders interessant kann es werden, wenn sich, wie in diesem Konzert, die Standardkultur gleichsam in Doppelspiegelung die Vereinnahmung einer Subkultur durch eine andere aneignet.
Auch das ist ein Merkmal der Kultur überhaupt: Sie ist in dem Sinne anarchisch, als dass sie ihre Gesetzmässigkeit stets hauptsächlich aus sich selbst heraus, aus der Produktion heraus gewinnt. Ein Regelfall kann ein Komponist sein, der einen Seemannsschlager übernimmt.
Solche Übernahmen können immer nur Phantasien sein und setzen deshalb Phantasie voraus. In dem Masse, in dem der Schlager dem Seemann das Träumen untersagt, verordnet er es dem Hörer: Nicht-Seemann, fang an zu träumen!

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

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Sonntag, 11. Juni 2023, 18.00 Uhr

Atelierkonzert 64
«O schauerliche Lebenswirrn»
Galgenlieder von Christian Morgenstern»

Franziska Badertscher, Stimme
Giovanni Fornasini, Klavier

Wenn er sich freilich seitwärts neigt
Ein blonder Korke, erzählt Morgenstern in einem (heute nicht zu hörenden) Gedicht, spiegle sich in einem Lacktablett, doch sehe er sich selber nicht, weil er senkrecht zu seinem Spiegelbild stehe. «Wenn er sich freilich seitwärts neigt / zerfällt, was oben gilt.» Nun überträgt Morgenstern das Bild auf den Menschen – gesetzt, er spiegle sich im All? Wäre er dann «nich / ganz in demselben Fall?» So verknüpft  Morgenstern mit leichter Feder philosophische Grundfragen mit skurrilen Szenarien, manchmal witzig, zuweilen boshaft. In «Himmel und Erde» schmiedet er die Dialektik zwischen wilder Natur und menschlichem Ordnungssinn zu einem der besten dichterischen Spässe, die sich finden lassen, während sich in «Das Knie» die vollendete Dramatik eines Kriegsgeschehens phantastisch steigert: Ein Soldat, «zerschossen um und um», behielt ein unverletztes Knie, das seither «einsam durch die Welt» geht. Ungesagt bleibt, wozu – und genau das ist Dichtkunst: Fragen aufzuwerfen ohne Fragezeichen, denn solche Gedichte rufen uns stets unsere eigenen Fragen ins Bewusstsein. Bei Morgenstern sind es kleine und grosse Fragen; keine einzige beantwortet er. Er stellt sie nur, und immer in einer Weise, die nur gelingen kann, wenn man sich «seitwärts neigt».
Für Komponisten natürlich ein gefundenes Fressen. Musik ist eine Sprache ausserhalb jeder semantischen Determination. Pardon, ich sag’s einfacher – Musik bedeutet niemals etwas Genaues wie «der Korke» oder «das Knie» oder «der Forstwart». Aber auch bei Morgenstern bedeuten diese Begriffe nie einfach das, was sie so klar zu benennen scheinen. Sie sind gleichsam Stellvertreter für das Unbenennbare, nicht etwa Symbole oder dergleichen. Es sind konkrete Dinge, die im Gedicht etwas zulassen, das sie in der geläufigen Sprache verweigern. So ist es auch in der Musik, und deshalb ist es für jede Komponistin, jeden Komponisten ein Vergnügen, sich dieser Sprache in der ihren, der seinen anzunähern. Verwandte sind sie, und sie wissen, dass Verwandte nur einfach verwandt sind, aber nicht gleich.
Die drei Komponisten, die heute Abend zu hören sind, sind voneinander grundverschieden. Eines aber einigt sie: Sie alle haben getan, was man tun muss, wenn man Morgenstern in Musik setzen will – sie haben sich seitwärts geneigt.

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

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Sonntag, 23. April 2023, 18.00 Uhr

Atelierkonzert 63
«Austoben im Neuland»

Anne de Dadelsen spielt Bach

Das lateinische Wort «CLAVES» bedeutet Schlüssel, das «Klavier» ist eigentlich ein Schlüsselbrett.
Auf englisch ist das Schlüsselbrett ein «Keyboard»; das Wort dürfte Ihnen geläufig sein. Die Tasten sind die Schlüssel zu einzelnen festen Tonhöhen, die «entschlüsselt» werden – geschlagen beim Clavichord, später beim Pianoforte, gezupft beim Cembalo, angeblasen bei der Orgel. Oder eben elektronisch erzeugt beim Keyboard. Das «Clavier» ist also einfach «das Tasteninstrument», mithin ein Instrument, das die Tonerzeugung nicht mehr direkt manuell, sondern maschinell vollzieht.
Das «wohltemperierte» Klavier verweist auf die Stimmung. Was wir als Tonsystem kennen (Tonleitern, Dur und Moll etc.), ist keineswegs eine naturbedingte – oder gar kosmische – Ordnung. In der Natur, im Kosmos kommt die Tonleiter nicht vor. Mathematisch stimmt die reine Tonleiter leider auch nicht – man muss alle Quinten im Zirkel etwas zu tief stimmen, damit sie bei jedem beliebigen Ton begonnen werden kann. Das ist die «wohltemperierte Stimmung»; sie wurde zu Lebzeiten Johann Sebastian Bachs entworfen, und sie eröffnete ihm ein neues Universum kompositorischer Möglichkeiten, ein reiches Neuland, in dem er sich weidlich austobte. Flugs schrieb er sich durch alle vierundzwanzig Tonarten durch, und dies gleich zweimal: Das sind gleichsam die Referenzstücke der neuen Stimmung. Dazu kamen weitere Stücke wie die «Chromatische Fantasie und Fuge d-moll», die in einem einzigen Werk die ganzen Möglichkeiten eines weiten Schweifens durch die Tonarten auskostet.
Bleibt die Frage, warum Anne de Dadelsen das spielt – kennen wir diese begnadete Musikerin doch als eine dem Neueren zugewandte, auch Experimenten gegenüber aufgeschlossene Musikerin – so durften wir sie auch in etlichen Atelier-Konzerten erleben. Ich wage eine etwas kühne These: Weil sie den Abenteurer in Bach liebt. Den Abenteurer, der auszieht und sich wagemutig und äußerst kunstfertig in das Neuland all der Möglichkeiten wagt, die ihm die wohltemperierte Stimmung verhiessen. Bach suchte – wie wohl alle Künstlerinnen und Künstler –, wie weit es wohl sei von allem, was wir kennen, bis hin zu dem, was sich erst im Kunstwerk erschliesst und das wir nur in ihm finden. In seiner Komposition genauso wie in seiner Interpretation.
Hier schliesst sich ein Kreis. Schön, dass Anne uns in diesem Konzert in diesen Kreis mit einschliesst, dass wir selbst zu Abenteurern werden und uns im Neuland austoben dürfen.

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

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Sonntag, 19. März 2023, 17.00 Uhr

Atelierkonzert 62
«Moajäfrih isch d'Naachd rumm»

CLOWN LESUNG HUND
Geschichten in badischem Dialekt mit Clown Calvero und Hund Smilla

Calvero – Spassvogel, Theatermensch, Circusgaul und Bücherwurm – mit internationalen Preisen überschüttet, aIs «König der Clowns» und «begnadeter Mime» gefeiert, quantenspringt weiter konsequent neue Wege, reduziert den Clown aufs Wesentlichste und liest und erzählt seine inzwischen ebenfalls preisgekrönten c launigen Geschichten und akrobatischen Gedichte aus den Kaschemmen, Varietés, Circussen, Spelunken und Theatern dieser Welt!
Dabei zeigt er sich zwischendurch und währenddessen als Akrobat, Schirmherr, Seiltänzer und Ohneseiltänzer, Kissenwerfer, Schluri und Puppenspieler; hoch in der Luft, auf dem Boden der Tatsachen und kopfüber RomanTisch. Tiefgründig und schräg la-komisch, skurril und nachdenklich; leicht fri-wohl und schwer in Ordnung! WehMutiges von anno hierzumal, Poesie mit und ohne Worte und Ungehörtes von heutzutage da und jetzt!
Mal zartbitter dunkel wie die Schokoladeneisaugen von Romana, dann schierer Jux und Dollerei … Calvero kann auch in diesem Programm nicht verbergen, dass er einer der kreativsten und besten Jongleure der Welt ist, spielt dabei aber zum ersten Mal ebenso gekonnt sowohlalsob mit Worten alswie mit Bällen! «Moajäfrih isch d’Naachd rumm!» ist phantastisch-absurdes Theater; ein Parforceritt durch die Kunst als solche und gerade darum beste Unterhaltung auf höchstem Niveau! KurzGeschichten und sehhhr lange Schnürsenkel; wolkig bis heiter, himmelhoch betrübt und zu Tode jauchzend – na denn: GUTE NACHT UM SECHS! Mit Smilla, der wunderbar Einzigartigen! Moderner kann Clowntheater, aufregender eine Lesung nicht sein!

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

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Montag, 27. Februar, bis Mittwoch, 1. März 2023
und Samstag, 4. März 2023

Fasnacht 2023
d'Uffdritt vo de Reservierte:

Am Mändig am säxi im Stadthuus:
S'Konzärtli vo de Reservierte

Am Zyschdig am zwei im Altersheim zum Park in Muttenz: S'Konzärtli vo de Reservierte

Am Mittwuch zoobe: Uffdritt im Stadttheater bi de Comitéschnitzelbängg.

Am Samschtig noch dr Fasnacht zoobe:
Uffdritt Im Stadttheater und im Schauspielhuus am Schlussoobe vo de Comitéschnitzelbängg.

Claude Jaquiéry und Franziska Badertscher, Piccolo

Sonntag, 22. Januar 2023, 17.00 Uhr

Atelierkonzert 61
Amuse-Bouche und Ohrenschmaus

Alberigo Albano Tuccillo liest weiter,
Caterina Nüesch-Corvini und Franziska Badertscher spielen Flöte.

Amuse-Bouche und Ohrenschmaus
Musik und Text – ob Lyrik oder Prosa, ob erzählerisch, narrativ oder kontemplativ, beschreibend – sind seit den Anfängen der belegbaren Kulturgeschichte eng miteinander verbunden. Davon zeugt unter anderem die Geschichte des Wortes «singen» in allen indoeuropäischen Sprachen, das ursprünglich «feierlich vortragen, rezitieren» bedeutete. Dasselbe gilt für die romanischen Sprachen, für das lateinische «canere», für das italienische «cantare», für das französische «chanter». Auch das Wort «Lyrik» selbst, das vom in der Antike beliebten Musikinstrument, der Lyra, abgeleitet ist, erinnert an die Nähe und Verschränktheit beider Künste: Während unsere Vorstellung, dass die griechische Sappho und der lateinische Ovid beim Rezitieren ihrer Verse zugleich die Saiten einer Lyra zupften, den Begriff «Lyrik» als Gattungsbezeichnung für literarische Texte im Versmass, also für Gedichte, geprägt hat, bezeichnet das italienische Wort «lirica» die Oper.
Nun hat es in der abendländischen Geschichte der letzten drei Jahrtausenden verschiedene Weisen gegeben, Literatur und Musik zu vermählen: Das bereits erwähnte Hinterlegen von Versen mit Rhythmen und Akkorden, die Fanfaren und Trommelwirbel zur Eröffnung und Ankündigung von Proklamationen, schliesslich die symbolische Funktion einer kurzen Melodie, die eine bestimmte Phase einer Zeremonie, eines Rituals einleitet, was wir heute ein Signet nennen. Die Idee, Melodien nicht mehr nur Begleitinstrumenten zur Untermalung einer sprachlichen Rezitation zuzuweisen, sondern diese mit der Stimme selbst zu gestalten – zu singen im heutigen Sinn –, schuf die Vokalmusik; Lied, Motette, Kantate, Oratorium, Singspiel, Melodram, Musical, Ode, Hymne.
In der ersten Konzert-Lesung zu den «Linguistischen Amuse-Bouche» wurde der Titel noch ziemlich wörtlich als Vorgabe für das Projekt genommen: Analog zu den literarischen Artikeln, die in unüblicher Weise die Sprache selbst zum Gegenstand von Erzählungen machen, wurden durch die ungewöhnliche Besetzung von Flöten, Horn und Alphorn, für die es kaum Literatur gibt, Möglichkeiten ausgelotet, aus neuen Perspektiven die Neugier für vermeintlich Vertrautes und scheinbar Triviales neu zu wecken, letztlich eben Appetit anzuregen. Wenn wir nun in einer zweiten Konzert-Lesung zur gleichen Thematik davon ausgehen, dass der Appetit bereits angeregt ist, möchten wir gleichsam die Hauptspeise auftragen und aus der Perspektive des durchaus vertrauten Flötenduos die «lirica» in den Bearbeitungen von Maestro Rossinis «Barbiere» und in Daniel Schnyders poetischen Sprachbildern ausleuchten. Die Frage zu beantworten, welche Gedanken jeweils dazu geführt haben, ein bestimmtes Musikstück mit einer bestimmten Amuse-Bouche zu verbinden, sei dem Publikum überlassen, denn jede Antwort, die subjektiv als die richtige empfunden wird, ist genau die Antwort, zu der wir führen möchten.

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

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Sonntag, 25. Dezember 2022, 10.00 Uhr
Reformierte Kirche Birsfelden

Weihnachtsgottesdienst Reformierte Kirche Birsfelden

Franziska Badertscher, Flöte
Uwe Schamburek, Orgel

Ort: Reformierte Kirche Birsfelden

Sonntag, 20. November 2022, 10.00 Uhr
Timotheus-Zentrum Dornach

Konzert Timotheus-Zentrum Dornach

Franziska Badertscher, Flöte
Raouf Mamedov, Orgel

Ort: Timotheus-Zentrum Dornach, Gempenring 14

Sonntag, 11. September 2022, 18.00 Uhr
im Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

Mittwoch, 14. September 2022, 19.30 Uhr
im Museum Kleines Klingental, Basel

Atelierkonzert 60
Rencontres – Zum hundertsten Geburtstag von Jacques Wildberger

Jacques Wildberger – Daniel Weissberg: Lehrer und Schüler begegnen sich

Franziska Badertscher, Flöte
Etele Dósa, Klarinetten
Jana Ozolina, Violine
Gunta Ãbele, Violoncello

Befreiende Begegungen
Nach der Uraufführung von Daniel Weissbergs «Der Schein» sagte Jacques Wildberger erfreut zu mir: «Ich verstehe es nicht.» Offensichtlich war er zufrieden – mit Daniel, mit sich selbst: Sein Unterricht hatte funktioniert. Daniel Weissberg hatte sich von seinem Lehrer Jacques Wildberger emanzipiert, seinen eigenen musikalischen Kosmos betreten und zu erkunden begonnen.
So funktioniert eine gute Lehrer-Schüler-Beziehung: Der Lehrer sieht es nicht als seine Aufgabe, sein Bild der Musik auf den Schüler zu werfen, sondern den Schüler bei der Entwicklung dessen eigenen Bildes zu unterstützen.
Das ist gut so. Denn wer nicht zumindest in Ansätzen die Vision eines eigenen musikalischen Kosmos hat, kommt gar nicht auf die Idee, Komposition zu studieren; warum sollte er?
Davon geht ein guter Kompositionslehrer aus. Er spürt Interessen des Schülers auf, schlägt mögliche Richtungen vor, gibt Übungen auf, die dabei helfen, Kategorien zu entwirren, bisher Unbedachtes zu reflektieren, anhand der Musik anderer zu analysieren. Die Begegnung von Lehrer und Schüler emanzipiert im besten Falle den Schüler, es ist eine befreiende Begegnung.
Jacques Wildberger war sehr engagierter, leidenschaftlicher Sozialist. Für sein eigenes Musikschaffen war das von Bedeutung, aber es war nicht das, was er seinen Schülerinnen und Schülern weitergab. Es war seine persönliche Geschichte und Entwicklung, Musik nicht ohne Politik, vielleicht auch Politik nicht ohne die Präzision und Radikalität von Musik denken zu können.
Bei Daniel Weissberg ist das etwas anders. Es ist ihm nicht möglich, Musik ohne deren Gestus und deren vielfältigen medialen Bezüge zu denken. In Weissbergs «Duo?», einem seiner früheren Werke, wird ersteres sichtbar und hörbar. In Jacques Wilderers «Rencontres» wiederum findet man dessen politisches Engagement subtil konzentriert in einer genauen Betrachtung, wie Begegnung zum Atom der sozialistischen Politik wird.
Nicht immer sind solche Bezüge vordergründig. So verweist bereits Wildbergers schelmischer Titel «Musik» auf das, worauf sich der Komponist hier kapriziert hat, ebenso Weissbergs «Préludes», die nichts weiter sind als eben solche – allerdings ist auch hier die geläufige Bezeichnung «Prélude» mehrdeutig. Es waren in der ursprünglichen Form kurze Klavierstücke, entstanden durch eine Aufgabe, die der Komponist sich selber gab: Innerhalb eines begrenzten Zeitraumes jeden Morgen vor dem Frühstück ein kurzes Klavierstück zu schreiben und daran später nichts mehr zu ändern. Es waren also auch «Préludes» im Sinne von Vorspielen des jeweiligen Tages. Jacques Wildberger und Daniel Weissberg blieben einander bis zu Wildbergers Tod 2006 freundschaftlich verbunden.

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10. Juni 2022, 19.00 Uhr, Katholische Kirche, Duggingen
11. Juni 2022, 18.00 Uhr, Atelier St. Johanns-Vorstadt 16
12. Juni 2022, 17.00 Uhr, Katholische Kirche, Aesch

Atelierkonzert 59
Horn und Flöte – von Hebbel, nicht von Goethe

Franziska Badertscher, Flöte
Hanspeter Lieberherr, Horn
Mathias Rüegg, Klavier

Kammer und Bühne
Wenn eine Musikerin das Musizieren noch mehr liebt als die Musik, nennen manche sie «musikantisch». Dieses Attribut lässt sich auch auf musikalische Werke anwenden, wenn deren Schöpfer sich eher von der äusserlichen Wirkung der Musik leiten liessen als von deren innerer Struktur.
Das Wort «musikantisch» hat einen gewissen Beigeschmack; es unterstellt, daß es sich um etwas (oder jemanden) weniger Anspruchsvolles handelt, als man es im akademisch-«klassischen» Revier erwarten dürfe. Der Ort des Musikantischen ist die Bühne, Empfänger ist das Publikum, während der Ort des nicht Musikantischen die Kammer ist und der Empfänger zunächst der Schaffende selbst; mehr oder weniger zufällig gelange dann sein Werk auf die Bühne und zum Publikum.
Mathias Rüegg kennt man vor allem als langjährigen Leiter des recht avantgardistischen «Vienna Art Orchestra», einer berühmten, lange und weit gereisten Big Band; die Platten fand man, als es das noch gab, in den Regalen, die mit «Jazz» angeschrieben waren. Und Jazz, wir wissen es, ist zunächst Musik der Bühne; im wesentlichen entsteht sie, improvisiert, erst auf solchen.
In diesem Konzert erleben wir, was geschieht, wenn Rüegg sich von der Bühne in die Kammer zurückzieht – zum Teil notgedrungen, vom Virus in die «Solitudes» gescheucht. Virtuose Solostücke wechseln mit launigen Bearbeitungen und mit einem geradezu programmatischen Melodram.
Julien François Zbinden komponierte im akademischen Duktus, deutlich hörbar in der Tradition der Expressionisten, jedoch anders als deren Vorreiter selten streng in freier Tonalität. Auch er aber hatte seine «musikantische» Ader, die er als Jazzpianist auslebte, als solcher jedoch – anders als Rüegg – in erstaunlich traditioneller Manier irgendwo zwischen Swing und Ragtime. Im Gedenken an den im März dieses Jahres verstorbenen Julien François Zbinden – er ist einer der Lieblingskomponisten der Flötistin als auch des Schreibenden – erklingt «Solissimo 1». Der Titel sagt fast schon alles – Zbinden mutet der Flötistin hier so ziemlich alles zu, was auf der Flöte zu spielen im äußersten Falle möglich ist. Es ist ein weit ausholendes Capriccio, voll von unbändiger Lebenskraft und oft überraschend in seinen sprunghaft wechselnden Affekten. Höher hinauf und weiter hinaus geht es nicht mehr, nicht in der Kammer und nicht auf der Bühne.

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Sonntag, 8. Mai 2022, 18.00 Uhr
Atelierkonzert 58

Literarische und musikalische Amuse-Bouche

Alberigo Albano Tuccillo liest aus seinem neuen Buch.
Hanspeter Lieberherr und Franziska Badertscher spielen Alphorn, Horn und Flöten.

Eines der entzückendsten Gedichte des italienischen Romantikers Giacomo Leopardi – sein wohl berühmtestes – heisst «Il sabato del villaggio» (Samstag auf dem Dorfe). Trotz des Titels ist in den anmutigen Versen jedoch kaum von der Erschöpfung der Bauern am Ende der harten, strapaziösen Woche, sondern vornehmlich vom Sonntag die Rede, wenn Herr und Magd, Bäuerin und Knecht endlich ausruhen und sich festlich kleiden werden. Noch arbeitet man, wie an andern Wochentagen auch, aber die Vorfreude auf den Sonntag ist, was den Samstag zum besonderen, zum schönsten Wochentag macht — wie auch der norddeutsche Name dafür, Sonnabend, beschwört. In den letzten Versen wird schliesslich der Samstag zur Metapher für die Jugend, die sich auf die Verwirklichung von Träumen und Vorhaben freut, auf Erfüllung in der ersehnten Liebe, auf die Kinder, auf die Familien. Die Ode an die Freude ist eine Ode an die Vorfreude. Ob und in welchem Masse neben dem Menschen auch andere Lebewesen die Vorfreude kennen, wissen wir nicht, aber was wir mit Bestimmtheit wissen, ist, dass das, was uns Menschen von allen andern Wesen unterscheidet und uns eigentlich zum Menschen macht, unsere einzigartigen Weisen der Kommunikation sind: unsere Sprachen und die Künste, allen voran die Musik. Kommunizieren auch Wale und Pflanzen über unvorstellbar weite Strecken, werden sie es aber nicht in derselben Komplexität und niemals über Generationen hinweg tun. Uns berühren Schiller und Beethoven mit Freude und Leopardi mit Vorfreude, als hätten sie die Feder noch gar nicht abgelegt und als wäre die Tinte kaum trocken.
Gerade diese Mittel der Menschwerdung des Menschen benützen wir aber allzu oft, ohne dem Mittel selbst die gebührende Aufmerksamkeit angedeihen zu lassen. Wir hören Musik und fragen uns zu wenig, ob wir denn alle dasselbe hören und ob das, was wir hören auch das ist, was die Komponistin oder der Komponist meinte. Wir verwenden Wörter und Wendungen oft, ohne uns zu fragen, was sie in der Vergangenheit bedeutet haben, woher sie kommen, welche Geschichte sie mit sich tragen und wie viel von dem, was wir mit ihnen sagen wollen, sie noch bedeuten werden, wenn sie in Ohr und Herz jener gelangen, die wir mit ihnen ansprechen.
Sich nicht bloss den eigentlichen Botschaften zuzuwenden, sondern zugleich der Weise, wie diese vermittelt werden, wie ihre Bedeutung sich verändert, verzerrt, verliert, manchmal sogar zunimmt, ist etwas, was immense Freuden verheisst. Dafür braucht es weiter nichts, als sich darauf einzulassen, sich dafür zu öffnen, dann sind die Sprachen und die Musik eine reich gedeckte Tafel, auf die die «Amuse-Bouche, die musikalischen und die linguistischen, Appetit anregen und Vorfreude wecken wollen.

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

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Sonntag, 3. April 2022, 18.00 Uhr, St. Johanns-Vorstadt 16,
Mittwoch, 6. April 2022, 19.30 Uhr, Museum Kleines Klingental
Atelierkonzert 57

Im Hirn spukt mir ein Märchen wunderfein

Werke von Hans Huber, Ernst Levy, Werner Wehrli, David Wohnlich

Anne de Dadelsen, Klavier
Franziska Badertscher, Flöte

Hans Huber und die losgelassenen Schüler
Die Qualität eines Kompositionslehrers misst sich unter anderem daran, wie unterschiedlich seine Schüler komponieren. Bestimmt ist es auch nicht falsch zu behaupten, das Ziel eines guten Lehrers müsse es sein, sich überflüssig zu machen; im Resultat ist das dasselbe: Der Lehrer gibt nicht sein eigenes Komponieren weiter, sondern verhilft dem Schüler dazu, sein eigenes zu entwickeln.
Hans Huber ist ein Beispiel für genau diesen Lehrertypus, was in diesem Konzert plastisch nachvollzogen werden kann. Hören wir zunächst Hans Huber selbst mit seinen «Stimmungen», erleben wir spätromantische, gefühlsbetonte Musik, formvollendet und berührend. Hier erleben wir einen – im Nachhinein betrachtet – fast wehmütigen Abschied von der Romantik: Noch ganz verwoben in deren warmherzige Tonmalerei, um sich selber kreisend und ganz frei von jeder ironischen Distanz.
Sowohl bei Levy als auch bei Wehrli erleben wir daraufhin zwei wahrhaft von ihrem Lehrer emanzipierte Komponisten. Ernst Levy ist bestimmt einer der eigenwilligsten und damit eigenständigsten Komponisten der anbrechenden Moderne. Seine Tonsprache bleibt innerhalb der Tonalität, scheint sich aber zugleich kraftvoll gegen sie sperren zu wollen. Die Wirkung ist erstaunlich; wir erleben einen vollkommen hermetischen, individuellen Aufbruch zu neuen Ufern – einen Entdecker ohne Mannschaft und ohne festes Ziel.
Werner Wehrli nimmt alles etwas leichter, liebt es auch, sich selbst manchmal augenzwinkernd ironisch zu betrachten. Das bedeutet keineswegs, dass seine Musik oberflächlicher wäre als diejenige Levys; die Sorgfalt und Genauigkeit, mit der da zu Werk gegangen wird, ist bei beiden gleich. Nur scheint Wehrlis Musikalität verspielter, irgendwie lustiger zu sein, frei von jedem Beharren auf irgendwelchen Konzepten oder Prinzipien. Da ist alles sehr erfrischend optimistisch, nicht etwa auf Kosten künstlerischer Komplexität, dieser aber eher freundlich verbunden als unterworfen.
Hans Huber konnte nicht mein Lehrer sein, nicht einmal der Lehrer meines Lehrers Jacques Wildberger, der ein Jahr später geboren wurde, als Huber starb. Ich wuchs in eine Art «Postmoderne» hinein, in der alles möglich war. So sehr einen das «anything goes» der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu einem inividualisierten Manierismus verführte, so bot es doch auch die Möglichkeit, sich seine eigenen Regeln samt deren Einschränkungen aufzuerlegen. So ist die «Sonate pour Jonas» ziemlich streng dem entlanggeschrieben, was ich in Jean Paul de Dadelsens – des Vaters von Anne – epischem Gedicht «Jonas» fand. Ich schrieb die Sonate für Franziska und Anne. Ebenfalls für Anne entstand das «offertorium super herefordensia mappa mundi». Die Mappa Mundi ist eine in Annes Wohnort Hereford ausgestellte Weltkarte aus dem späten 13. Jahrhundert, die die damalige Weltsicht in einer wunderschönen Bildsprache ausdrückt. Meine Musik ist eine dreistimmige Motette, für die ich frei auf einen meiner frühen Lieblinge, den Komponisten Guillaume de Machaut, zurückgriff, ohne ihn allerdings nachahmen oder gar zitieren zu wollen. So haben – von Machaut bis Wildberger – alle Lehrer, die hier im Spiel sind, ihr Ziel erreicht: Sie haben ihre Schüler zu sich selber gebracht – und sie auf Basel und die Welt losgelassen.

Für Atelierkonzert am 3. April bitte vorher anmelden unter:
E-Mail: quer_quer_@hotmail.com oder Tel. 061 281 03 77
(das Platzangebot ist limitiert, mit Maske)

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel
Museum Kleines Klingental, Unterer Rheinweg 26, Basel

Flyer downloaden (PDF)

Montag, 7. März 2022 und Samstag, 12. März im Schauspielhaus und im Stadttheater Basel
Am Fasnachtsmäntig 2022 zoobe dräffe si die Reservierte im Schauspielhuus bi de Comitéschnitzelbängg aa.

Am Samschtig 12. März noch dr Fasnacht, am Schlussoobe vo de Comitéschnitzelbängg im Stadttheater und im Schauspielhuus.

Claude Jaquiéry, Piccolo
Franziska Badertscher, Piccolo

Weitere Informationen im Kalender Theater Basel

Sonntag, 6. März 10.00 Uhr in der Tituskirche Basel
Fasnachtsgottesdienst mit der kleinsten Clique der Welt

Claude Jaquiéry, Piccolo
Franziska Badertscher ,Piccolo/Flöte
Susanne Böke ,Orgel

Weitere Informationen in der Gottesdienst-Agenda der Tituskirche Basel: Tituskirche, Gottesdienste 2022

Ort: Tituskirche Basel
Im tiefen Boden 75, 4059 Basel

Samstag, 25. Dezember 2021, 10.00 Uhr, Ref. Kirche Birsfelden

Weihnachtsgottesdienst

Franziska Badertscher, Flöte
Uwe Schamburek, Orgel

Ort: Reformierte Kirche Birsfelden, Friedhofstrasse 1, 4127 Birsfelden

Sonntag 7. November 2021, 17.00 Uhr
Atelierkonzert 56

O, hätt’ ich, hätt’ ich Flügel!

Lieder von Othmar Schoeck nach Gedichten von Joseph von Eichendorff und Ludwig Uhland

Musik des Abends
Die Romantik liebt die Transzendenz, den Übergang von der Tat zur Besinnung, von der Geschäftigkeit zur Ruhe, vielleicht vom Suchen zum Finden.
Inmitten der Transzendenz entsteht Dichtung, entsteht Musik. Sie verweist auf das Woher und das Wohin zugleich, schildert den Zustand, der nach allen Seiten hin offen ist – und der Abend drängt sich als Sinnbild dafür förmlich auf. Der Abend ist die Zeit, da man nicht mehr geschäftig ist, aber auch noch nicht schläft, er wirkt sowohl zurück als auch nach vorn, er ist Ende und Anfang zugleich.
Was für ein gefundenes Fressen für die Dichter Uhland und (vor allem) Eichendorff – und dann für ihren Seelenverwandten Othmar Schoeck. Für Schoeck war die Romantik noch längst nicht ausmusiziert, noch war vieles mit den Mitteln zu sagen, die seine Zeitgenossen, vor allem die Kollegen der «Neuen Wiener Schule», verließen, um sich der freien Tonalität zuzuwenden. Für Schoeck kam das zu früh – er wollte weiterforschen in der transzendenten Welt jener Wunder, die ihm sein Lehrer Max Reger eröffnet hatte.
Tatsächlich kommt der Abend in den meisten Liedern, die wir in diesem Programm hören, wörtlich vor. Er, der «alles wandelt» («Nachklang»), alles wandelt zur Nacht, «die Wunder sagen will» (im Lied «Nacht»), ist Ruhe und Hoffnung, Einkehr und Ahnung zugleich. Und er ist ruhig. In ihm gibt es keine Hast und kein Eilen – das wird in den Liedern hörbar. Nur «Im Wandern» legt mit seinen bewegten Sechstonfiguren im Baß ein gewisses Tempo vor, plausibel genug: Hier ist eine köstliche Weisheit gefunden, die nur aus der Transzendenz erwachsen kann: Wohin und wann immer ich gehe – «verlieren kann ich mich doch nie, o Gott, aus deiner Welt!»
Man kann ohne weiteres die späte Romantik als Epoche der Transzendenz überhaupt ansehen: Sie ist der Abend, in ihr kommen die traditionellen musikalischen Mittel zur Ruhe und reflektieren sich selbst bis hin zu ihrer materiellen Auflösung. In «Waldeinsamkeit» oder in «Abschied» wird die schmerzliche Ahnung vom unabwendbaren Verlust der alten Tonalität spürbar – fast verzweifelt klammert sich der Komponist an ihre abgearbeiteten Schönheiten, verharrt im Zustand der Transzendenz – ankommen mag er nicht. Sehr nah kommt er dem Sänger, der die Nacht kommen spürt: «Nur hinter jenem Hügel / noch spricht der Abendschein / o hätt’ ich, hätt’ ich Flügel / zu fliegen da hinein!» Es ist die alte vergebliche Sehnsucht des Verbleibens in der Transzendenz, der Augenblick, den Goethes Faust so gern behalten hätte: «Verweile doch, du bist so schön!»
Die Schönheit dieses Konzertabends wird uns diesen Gefallen tun: Sie wird lange verweilen, nachdem die letzte Note verklungen sein wird. Flügel? Klar, haben wir.

Franziska Badertscher, Stimme
Giovanni Fornasini, Klavier

Bitte vorher anmelden unter:
E-Mail: quer_quer_@hotmail.com oder Tel. 061 281 03 77
(das Platzangebot ist limitiert, mit Maske)

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

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Talent Summer Courses 20.–25. September 2021

Franziska Badertscher als Dozentin für Flöte an den Talent Music Summer Courses in Brescia.

Detaillierte Informationen und Anmeldung auf der Website des Veranstalters: www.talentsummercourses.it/flute

KONZERT VERSCHOBEN !
auf Mittwoch, 30. Juni 2021, 19.30 Uhr

Festkonzert «In diesem Leben»

Aus dem kammermusikalischen Schaffen von David Wohnlich

Mit Franziska Badertscher und Caterina Nüesch-Corvini (Flöte), Claude Jaquiéry (Piccolo), Swetlana Balzer (Sopran), Angelika Balzer (Violine), Gunta Abele (Violoncello), Ingo Balzer (Oboe), Martin Frey (Klarinette), Hanspeter Lieberherr (Horn), Florian Zimmermann (Fagott) sowie Giovanni Fornasini und Anne de Dadelsen (Klavier)

Werke von David Wohnlich (*1953): «In diesem Leben» für zwei Flöten (1974), Sieben Haiku (2003), «Bliibe Gärn» für Bläserquintett (2011), Sieben Haiku (2007), Allerweltsmusik (2016), Sonate pour Jonas für Flöte und Klavier (2013), Zwei Fasnachtsmärsche für zwei Piccolo, Offertorium für Klavier solo (UA, 2019) und Oktett (UA, 2019)

CHF 30.– /25.–, Abendkasse

Hinweis COVID-19: Bitte beachten Sie die geltenden Schutzbestimmungen und informieren Sie sich auf der Museumswebsite www.mkk.ch über aktualisierte Details zur Veranstaltung.

Ort: Museum Kleines Klingental, Unterer Rheinweg 26, Grosses Refektorium, Basel ,www.mkk.ch, www.museum.kl-klingental@bs.ch

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Freitag, 25. Dezember 2020, 10.00 Uhr
Weihnachtsgottesdienst
Reformierte Kirche Birsfelden

Franziska Badertscher, Flöte
Uwe Schamburek, Orgel

Ort: Reformierte Kirche Birsfelden, Kirchstrasse, CH-4127 Birsfelden

Mittwoch, 21. Oktober, 19.30 Uhr
In der Konzertreihe «Basel komponiert»
im Kleinen Klingental

«Raum und reine Formen»

Werke von Robert Suter und Bohuslav Martinů

Franziska Badertscher, Flöte
Gunta Abele, Violoncello
Giovanni Fornasini, Klavier

Werke von Robert Suter (1919–2008):
Elegie für Violoncello solo (1969),
Suite Nr. 2 für Klavier solo (1945),
Une petite poésie intime pour flûte seule (1997)

und Bohuslav Martinů (1890–1959):
Sonate für Flöte und Klavier (1945),
Variationen über ein Thema von Rossini für Violoncello und Klavier (1942)
Trio für Flöte, Violoncello und Klavier (1944)

CHF 30.– /25.–, Abendkasse

Corona-Schutzmassnahmen:
Die Bestuhlung gewährt den vorgeschriebenen Sicherheitsabstand. Bitte diesen stets einhalten. Bitte informieren Sie sich auf www.mkk.ch über allfällige aktualisierte Informationen.

Ort: Museum Kleines Klingental, Unterer Rheinweg 26, Grosses Refektorium, Basel, www.mkk.ch, www.museum.kl-klingental@bs.ch

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Samstag, 12. September, 17.00 Uhr
Sonntag, 13. September, 18.00 Uhr
Atelierkonzert 55

«Menschenfreundlich weitersagen»
Klang-Reden aus Frankreich, Tschechien, Italien, Deutschland und der Schweiz

Werke von C. Ph. E. Bach, A. Roussel, B. Martinu, R. Suter, A. Casella

Franziska Badertscher, Flöte
Giovanni Fornasini, Klavier

International?
«Klangreden aus Frankreich, Tschechien, Italien, Deutschland und der Schweiz» – das klingt international. Aber ist das Musik nicht ohnehin? Viele sagen doch, Musik sei ein «verbindendes Element über alle Grenzen hinweg». Aber stimmt das auch?
Keineswegs. Ja, mir kann alle Musik der Welt gefallen, aber das heißt nicht, daß ich sie verstehe. So verstehe ich zum Beispiel traditionelle chinesische Musik noch nicht. Ich weiß nicht, wie sich das aufmüpfige «Pien Chi» (oder «Pien Kung») zu den fünf übrigen Tönen verhält – den fünf Tönen übrigens, die Hollywood-Musikschreiber immer dann bemühen, wenn eine schöne Chinesin oder ein lustiger chinesischer Koch ins Spiel kommen. Das sind dann bloß «Chinoiserien», Abbildungen einer sehr kurzsichtigen Wahrnehmung. Kurzsichtige Wahrnehmungen sind nun tatsächlich ein internationales Phänomen, da funktioniert’s, wenigstens für naive Gemüter, die das dann für «typisch chinesisch» halten.
Was darüber hinausgeht, ist Klangrede. Klangrede bedeutet, das darzustellen, was über die Wahrnehmung der äusseren ästhetischen Gestalt der Musik hinausgeht. Und da wird es plötzlich geographisch etwas eng. Ich spreche so, wie meine Mutter zu mir sprach, mit der Zeit wurde meine Sprache zur Rede. Die Rede setzt zunächst Sprache voraus. Und plötzlich versteht man’s: Wenn man reden kann, kann man auch etwas «menschenfreundlich weitersagen». Nun, in diesem Konzert wird Ihnen das Weitergesagte sicher verständlich. In
den vier Sätzen der «Joueurs de flûte» von Albert Roussel zum Beispiel. Sei’s der verspielte, launige Pan oder der flinke, aufgeregte Tityre – Sie werden ihnen folgen können. Ob es sich dann bei Krishna um eine «Indiennerie» (siehe oben) oder vielmehr um eine gute Übersetzung handelt, werden Sie ebenfalls erkennen, und auch dem listigen Mr. de la Péjaudie kommen Sie auf die Schliche.
Bohuslav Martinù muß man in Basel kaum vorstellen – nachdem er in Paris (unter anderen bei Roussel) studiert und sich auch verliebt und geheiratet hatte, lebte er meist bei seinem Gönner Paul Sacher in Pratteln. Bei ihm kann die Klangrede sehr schön wahrgenommen werden – etwa wenn der dritte Satz gleichsam zur Energie des ersten Satzes im zweiten, verträumten Satz etwas dazugelernt hätte und nun alles zur reifen Persönlichkeit verbindet. Und dann plötzlich mit Carl Philipp Emanuel Bach eine andere Sprache, sogar eine andere Rede: Die wohlerzogene Sprache des Königshofes, wenn auch gewürzt mit zuweilen eingeschmuggelter damals «moderner» Galanterie.
Robert Suter, der liebenswürdige Ostschweizer Hüne (den viele für einen Basler halten, was nicht ganz falsch ist, er studierte, lehrte und lebte ja hier) lehrt uns eine moderat zeitgenössische Sprache in seiner 2. Suite. Kaum angehaucht vom Jazz, den er ja liebte und ebenfalls virtuos spielte, zeigt er hier ganz seine «akademische» Seite. Denn auch ihr gehörte sein weites, warmes Herz. Seine Rede ist vielfarbig und plastisch; wenn man will, mag man etwas Freude über das Kriegsende hineinhören (die Sonate entstand 1945), ich schreibe die Musik eher seiner allgegenwärtigen Lebenslust zu. Alfredo Casella redet dann – ganz im Gegensatz zum wohlanständigen Bach zuvor – eine reichlich wilde, gleichsam ungezogene Sprache. Die Gattung des «Gondelliedes» – vorgeprägt von Offenbachs Hitparaden-Barcarole – denkt bei Casella nicht daran, in die Falle eines idyllischen Bildes vom Liebes- und Hochzeits-Venedig zu tappen. Mit seinen damals ungestümen zwanzig Jahren bleibt er zwar noch stark der Dur-moll-tonalen Sprache verbunden (was sich später radikal ändern wird), scheint aber schon jetzt ihre Grenzen sprengen zu wollen. Das nette, sich mäßig ins Neue tastende Weitersagen von Musik bei Carl Philipp Emanuel Bach wird bei Casella zum aufbegehrenden Entlarven des nur Behaupteten. Ein bisschen unfair, diese Gegenüberstellung, aber die Zeiten ändern sich eben. Das Weitergesagte ändert sich mit.

Bitte vorher anmelden unter:
E-Mail: quer_quer_@hotmail.com oder Tel. 061 281 03 77
(das Platzangebot ist limitiert, mit Maske)

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel
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Sonntag 2. Februar 2020, 17.00 Uhr
Atelierkonzert 54

Werke von E.G. Baron, E. Gaultier, S.L. Weiss

Krishnasol Jiménez, Laute 
Franziska Badertscher, Flöte

Gute Reise
Die Laute ist eines der Ur-Saiteninstrumente. Das zeigt schon ihr Name: Sie ist keineswegs laut, das Wort stammt vielmehr vom arabischen Al Ud, was eigentlich nur «das Holz» bedeutet, aber das bauchige, mit mehreren Saiten bespannte Instrument meint. Erste Zeugnisse weisen es im 7. Jahrhundert nach.
Nachdem die Laute über Cordoba nach Europa gekommen war, wurde sie bald zum populärsten Instrument der Musizierenden: Sie konnte mehrstimmig gespielt werden, eignete sich hervorragend als Liedbegleiterin, klang mystisch berauschend und wurde bald in unzähligen Versionen nachgebaut.
In der Renaissance- und Barockzeit war es das bevorzugte Generalbass-Instrument (Generalbass ist eine Akkord-Kurzschrift, die nur den Basston notiert und die darüberliegenden Töne in Zahlen markiert). Doch die Laute kann mehr, und das erleben wir in diesem Konzert – sie kann ebenbürtige Partnerin eines wohl noch älteren Instrumentes sein, der Flöte.
Wie alt die Flöte ist, kann uns niemand sagen. Bereits die Höhlenbewohner bohrten Grifflöcher in hohle Knochen; einige Exemplare befinden sich in der Sammlung des Basler Museums der Kulturen. Beide Instrumente blicken also auf eine uralte Geschichte zurück, beide wurden in unzähligen Formen und aus vielen Materialien gebaut, und beide entfalten bis heute diese magische Wirkung, die all das Vergangene mit erzählt.
Zum Beispiel die barocke Lebensart, die wir heute nicht besser nachempfinden können, als wenn wir die Musik aus dieser Zeit hören. Zu dieser Zeit kamen Tasteninstrumente auf und begannen der Laute den Rang abzulaufen, aber viele Komponisten hielten an der Laute fest, und dafür gibt es gute Gründe: Die Laute kann viel differenzierter artikulieren als ein Klavier, das ja letztlich eine Maschine ist, sie ist in jeder Hinsicht näher am Körper der Musizierenden, kann ein erweiterndes Glied desselben werden – wie auch die Flöte.
Silvius Leopold Weiss spielte sehr wohl (und wahrscheinlich unglaublich gut) Klavier, aber er hielt an der Laute fest. Warum wohl? Sie werden es in diesem Konzert hören.
Dasselbe gilt für die anderen Komponisten dieses Abends. Ernst Gottlieb Baron war ein berühmter Lautenist, übrigens Schüler von Weiss, der seinerseits wie die meisten Komponisten (wie etwa Bach, der Weiss kannte und in höchsten Tönen lobte) nach Italien reiste, um die dortige Musik zu studieren; Weiss unter anderen bei Alessandro Scarlatti.
Das war eine wirklich aufregende Zeit. Manche würden gerne einmal eine Zeitreise ins 18. Jahrhundert machen – nun, in diesem Konzert ist das möglich. Gute Reise!

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel
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Sonntag 23. September, 18.00 Uhr
Atelierkonzert 46

«Südamerika! Südamerika?»
Werke von: Astor Piazzolla, Heitor Villa-Lobos, Samuel Zyman, Miguel del Àguila

Caterina Nüesch-Corvini und Franziska Badertscher, Flöte
Ingo Balzer, Oboe
Gunta Abele, Violoncello
Maria Fernanda Castro Vergara/Eduardo José Vallejo Reyes und Giovanni Fornasini, Klavier

Weltsicht und Heimatliebe
Eine liebevolle Reverenz an einen Kontinent, der manchen von uns so seltsam erscheint wie jenen von dort der unsere, wird unvermittelt zum Abschiedskonzert. Maria Fernanda und Eduardo, die wir als Duett hören werden, verlassen die Schweiz, verlassen uns und kehren zurück nach Bogotá. Es ist dort Winter, wenn sich Sommer gehört und umgekehrt. Emotionen träten dort – so das Vorurteil – klar zu Tage, nicht wie bei uns, hier seien sie nämlich zunächst in vielen Büchern und Ratgebern beschrieben, nicht einfach so dahingefühlt wie dort. Das hört man natürlich, wenn man diesem Vorurteil anhängt, auch in der Musik. Sie ist temperamentvoll und emotional, manchmal ausgelassen und tänzerisch, manchmal kritisch hinterfragend, was die Einflüsse europäischer Musik betrifft – so dürfte etwa Villa-Lobos’ amüsant böse Anspielung auf Muster mitteleuropäischer Walzer- oder Marschmusik auf manchen Europäer etwas irritierend wirken.
Nur: Temperament und Emotion – das stimmt, ja, aber das gibt’s doch auch bei Beethoven und bei so vielen anderen. Und Maurice Ravel hat in seinem riesigen Orchesterwerk «La Valse» den Walzer längst als frivole bürgerliche Fälschung der Musikgeschichte in Grund und Boden gewalzt. Ich kann immer weniger verstehen, warum wir die Welt in «hier» und «dort» unterteilen, wenn es doch überall alles gibt. Nur weil wir als Kinder nicht genau die gleiche Musik gehört haben und diese stets irgendwie in uns tragen?
Samuel Zymans Musik zieht alle Register vom zunächst harmlosen Volkslied bis hin zum ekstatischen Tanz, und Astor Piazzollas Talent, argentinische Tango-Klischees – und hierin manch anderes Vorurteil – mit kompositorischen Mitteln gründlich zu erschüttern, muss hier kaum erwähnt werden. Miguel del Àguilas «Seduction Dance» verführt tatsächlich und passt genau ans Ende des Programms. Leider wird er seine verführerische Wirkung in einem Punkt verfehlen: Es wird der letzte Tanz mit Mafe und Eduardo sein.

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel
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Werke von D. Wohnlich, J. Frith, W. Wehrli, R. R. Bennett, O. Taktakishvili

Der Sommer naht, und mit ihm die Zeit der etwas leichteren und luftigeren musikalischen Kost. Die ja, wie wir alle schon immer wussten, früher aber nicht ohne weiteres zuzugeben bereit waren, neben ihrem Charme durchaus auch ihre künstlerischen Ansprüche haben kann.
Solche Musik ist zu geniessen, und das Programm widerspricht launig-sommerlich der verbiesterten Ansicht, Musik des 20. und 21. Jahrhunderts könne gar nicht leichtfüssig und verständlich daherkommen, wenn es nicht Unterhaltungsmusik sei.
Jedoch hat sich selbst der Begriff der «Unterhaltungsmusik» unter der Sonne einer grösser gewordenen Welt aufgelöst - auch einer grösser gewordenen Welt der musikalischen Inspirationen und Einflüsse. Alle hier vertretenen Komponisten haben sich mit Jazz, mit aussereuropäischer Musik, mit neuen und neuesten Strömungen, aber auch mit ihrer je eigenen musikalischen Tradition auseinandergesetzt. Das Ergebnis ist Musik voller Frische und Vielfalt, ein bunter Sommerstrauss eben. D.W.

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

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Von Menschen und Maschinen
Es ist leicht zu wissen, für manche schwer wahrzuhaben: Unsere abendländische Wissenschaft und unsere Kultur kommen aus dem Morgenland. Analphabetische Wilde, zum Beispiel aus Franken, haben die feinsinnigen Orientalen überfallen, ihre Kulturstätten geplündert und zerstört, die damalige orientalische Hochkultur durch ihre vordergründig religiös begründete «Leitkultur» zum Verstummen gebracht.
Vieles aus dem damaligen Orient hat sich jedoch in unsere Kultur eingeschrieben – dies in jenen Kreisen, die schon immer Austausch und menschlichen Zugewinn interessanter fanden als Eroberung, Ausbeutung und Zerstörung: In denjenigen der Kunst und der Wissenschaft. So sind sämtliche traditionellen Orchesterinstrumente orientalischer Herkunft. Streichinstrumente, Holz- und Blechblasinstrumente, Fellinstrumente, Idiophone («Selbstklinger», vorwiegend Schlaginstrumente) – alle kommen aus Ländern, in denen mit ihrer Unterstützung der dortige Prophet und der, der ihn gesandt hatte, besungen wurden.
Die einzigen Instrumente, die genuin im Abendland entstanden, sind die Tasteninstrumente, und sie alle sind Synthesizer. Denn sie synthetisieren andere Instrumente: Die Laute, das Hackbrett, das Instrumentalensemble wurden zu Cembalo, Klavier und Orgel. Es sind streng genommen Maschinen. Nicht Finger oder Atem sind nun die Auslöser klingender Welten, sondern komplizierte Mechanismen und Hebelwerke. Klaviertasten sind im Grunde nicht weiter als Schalter.
Die Erfinder sind das eine, Musikerinnen und Musiker das andere. Seit es Tasteninstrumente gibt, haben Menschen das Spezifische dieser Maschinen erforscht und untersucht. Sie haben Musik erfunden, die nicht die Musik anderer Instrumente nachäfft, sondern zum Beispiel Musik, die sich nur auf einem Pianoforte, dem heutigen Flügel, darstellen lässt. Man nennt solche Musik dann gern «pianistisch».
«Pianistische» Klaviermusik weiht den schönen postromantischen Flügel in Franziskas Atelier ein, in vielen Sprachen, Temperamenten, Auffassungen. Achten Sie zunächst einfach darauf, wie sehr die Musik, die Sie hören, das Klavier von der Maschine zum Instrument emanzipiert – eine Art Zauberei, von Spielenden vorgeführt, die zum Instrument zurückkehren möchten, jede und jeder auf ihre, auf seine Weise.

Ort: Atelier St. Johanns-Vorstadt 16, Basel

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